讲道4号（油画） 2018年 苏新平
如果用关键词来表述苏新平近年的创作，是否可以用“现实墟、视觉误”来给予概括？所谓“现实墟、视觉误”，主要针对的是我们现在失落的幻想与断裂的现实所构成矛盾冲突的一种描述，也是我们生存所面对的困惑和选择。“墟”具有废墟、虚置的意味；“误”则是感知他在视觉图像中有意味的错位、错觉的比附。在苏新平的这种“现实与视觉”、“墟与误”的依存关系里，来自他主观心理，抑或艺术创作方面的动因，又是和我们现实生存的经验和生活处境有关。苏新平更多地通过绘画方式，试图寻求着一种间离的视觉修辞。他的有些视觉图式看似有着写实的外表，其实是虚构的视觉效果；而有些抽象的虚拟，则穿越了真实与虚构的二元对立，并对所谓的真实进行了颠覆式的错置。可以说，苏新平的绘画艺术重构了他对现实处境的认知与觉知，并以超验、变异、混杂、抽象的画面，呈现出油画的黏性、版画的质感，乃至影像的游弋，演绎了人与命运永恒的纠缠、焦虑与困惑。
也许是苏新平生长在内蒙古的缘故，他对荒原、废墟的表现情有独钟，始终在创作中青睐于一抹灰色。他的《荒原》系列、《灰色》和《八个东西》等许多作品都以荒原、废墟作为主题或背景，画面弥漫着灰蒙蒙的烟尘，这既是北方的固有色调，又抑或是他儿时记忆中的切身感受。尤其是他将这些景色分割成一片片方形碎片，随机进行挪移与拼贴，既形成了一幅完整的画面，又根据日常心绪的抽象痕迹不断组合于二维的画布之上。这种交错的显现及相互的映照，使如今苍茫的荒原更平添了现实的沉重与压抑，形成了“双重叙事”的作用。
苏新平总是试图对自然与社会景观进行多种表述，仿佛制造了一种很静穆的顿悟场景，如《红》与《蓝》等系列作品，他首先打乱了结构的次序，把它切割成许多同一规格的碎片，然后将斑驳的笔道痕迹进行连接，使整个画面处在一种多极、饱和的时空张力场中。这种张力并非只是体现在某个单独的形式之中，而是呈现出从时空结构到人物命运，再到语意的网络化特征。而抽象的风景与梦幻产生间隔与交杂，使清晰的形态变成如梦似幻的影像，并通过这种影像与画面形态的措置来拓展主题的容量。这无疑为他表现社会现实的广度和深度，提供了一种沉郁的神秘，以此来体验空间与人与物之间的关系。因此，与其说苏新平为了告诉观者一个明确的视觉结果，不如说是呈现出一个迷离的世界。倘若从社会学的角度来分析画面的形象，这些作品既是我们文化生态在社会转型过程中的众生面貌，也应和了所谓后现代社会中国现实混杂的状态，以画面上的混杂对应着我们现实文化的混乱。如果从视觉艺术的角度来考察，他的绘画语言修复和更新了传统的样式，向单一的写实风格提出质疑，从而使题材本身既有主题上的时代性，又有一种荒诞的形式意味。
再看苏新平的《远方》《讲道》等油画作品，包括生存的尴尬、荒诞与困境。苏新平在选择众生相作为表现对象时，通过观照式的视觉叙事，既描绘出了乡村社会在现代性过程中的骚动与迷惘、盲目与蒙昧，又展示了欲望化的城市中，由欲望、权力等共同构成的现代性对群体意识的消融。或者那是一种扭曲的成长、记忆与现实状态的斑斑痕迹。
作为一种带有新写实的创作样式，我更看重的是苏新平在视觉语言上的实验性探索。在其作品中，他面对复杂的生存本相，并非仅仅专注于情节的隐秘性，而是通过一种内心化的倾诉或自我复述的方式。而这种不同人物的自我叙述，并不仅仅是一种叙述视角的简单转换，而是为观者有效地进入人物的精神层面提供了直接观看的通道，以便更清晰地完成不同人物出场与在场的关联。一方面，这是对以往惯常的艺术直接投射“现实”的可能性反思，并导致了对于艺术表现题材复杂性的再认识；另一方面是关注现实生活的具体性，从而在现代性宏伟叙事中被忽略和压抑的日常生活变成了艺术表现的中心，赋予了不同寻常的价值和意义。
我一直以为，判断一位艺术家带有实验性作品的意义或价值，在于其作品的表现是否与他自身的生存环境、成长经验和他个人的或集体的记忆有一个较为直接的联系；同时，这种联系是否与其当下的文化情境或文化生态的变化有一个对应点、激活点，以及由此反映出艺术家的态度或立场。再深入分析下去，就涉及艺术家在创作中题材、文化资源的利用，媒介的选择和视觉语言方式等具体的细节内容。因此，苏新平绘画艺术的意义，不是在对应的现实关系中去寻找，而是在其内心折射的抽象现实中，寻找现实对他的心理投影与视差转换。如同在他这些作品之间的临界点上，构成了无边现实的抽离和延展未来的趋向。现实是过去的未来，“他”的周围就是“你”的现在；喧嚣的世界让我们彼此看见，一切破碎、一切成灰！而万物皆有裂痕，那是光照进来的地方。
